Libro. Tim Blanning: El triunfo de la música

Título: El triunfo de la música, los compositores, los intérpretes y el público desde 1700 hasta la actualidad
Autor: Tim Blanning

Editorial: Acantilado

Edición: 2011

Páginas: 576

Título original: The Triumph of Music: Composers, Musicians and their Audiences, 1700 to the Present

Traducción: Francisco López Martín.

Contenido:

    Prefacio
    Introducción
I. Categoría: "Es usted un hombre-Dios, el veradero artista por la gracia de Dios"
   El músico como esclavo y sirviente
   Händel, Haydn y la liberación del músico
   Mozart, Beethoven y los peligros de la espera pública
   Rossini, Paganini, Liszt: el músico como héroe carismático
   El triunfo del músico en el mundo moderno
II. Propósito: "La música es el arte más romántico"
   Luis XIV y la reafirmación del poder
   La ópera y la representación de la categoría social
   Bach, Händel y el culto a Dios
   Los conciertos y la esfera pública
   La secularización de la sociedad, la sacralización de la música
   La revolución romántica
   Beethoven como héroe y genio
   Problemas con el público
   Wagner y Bayreuth
   La invención de la música clásica
   El jazz y el romanticismo
   El rock y el romanticismo
III. Lugares y espacios: del palacio al estadio
   Iglesias y teatros de ópera
   Conciertos en tabernas y palacios
   Las salas de concierto y la sacralización de la música
   Templos para la música
   Bayreuth y París: dos formas de dignificar la música
   La democratización del espacio musical
   Lugares y espacios para las masas
IV. Tecnología: de los Stradivarius a las Stratocaster
   Gas musical y otros inventos
   Pianos para la clase media
   Vávulas, llaves y saxofones
   Las grabaciones
   La radio y televisión
   La electrificaciones de la cultura juvenil
   El triunfo de la tecnología
V. Liberación: nación, pueblo y sexualidad
   Orgullo y prejucio nacionales
   Rule Britannia? Aux Armes, citoyens!
   La liberación de Italia
   Deutshland, Deutshland über Alles
   De los bosques y prados de Bohemia
   Un vida por el zar
   Raza y rebelión
    Sexualidad

Primeras frases:

En los tiempos modernos ha habido tres monarcas británicos que han reinado lo suficiente para celebrar los cincuenta años de su reinado: Jorge III en 1809, la reina Victoria en 1887 e Isabel II en 2002. Los tres celebraron la ocasión con una ceremonia religiosa. El rey Jorge se contentó con organizar una ceremonia privada en la capilla de Windsor. La reina Victoria asistió a una eucaristía de acción de gracias en la abadía de Westminster, donde escuchó el Te Deum de su difunto esposo y otra de sus composiciones, el himno Gotha. La actual soberana fue a la catedral de San Pablo para asistir a un acto similar, aunque sin la música del príncipe consorte; allí escuchó de labios del arzobispo de Canterbury estas palabras: «[A] diferencia de lo que ha sucedido con tantas otras cosas en el mundo moderno, la relación entre la soberana y el pueblo ha adquirido fuerza y profundidad con el paso del tiempo». En el caso de estos tres monarcas, cabezas de la Iglesia de Inglaterra y devotos cristianos, es probable que la ceremonia religiosa constituyera el punto culminante de las celebraciones. Sin embargo, para los súbditos del rey Jorge y la reina Victoria, quizá lo más memorable fueran los fuegos artificiales, los asados de buey y la cerveza a discreción.

Comentario:

     No sabemos si el autor pensaba en músicos cuando escribía el libro. Parece que no. Este libro no es de música, es un libro de la historia de occidente desde 1700 tomando la música como eje. El historiador (que no musicólogo) que es Tim Blanning explica como la historia ha producido cambios importantes en la música provocando un proceso estético y social que nos lleva a los tiempos actuales. Pero, a la vez, la música es autora de acontecimientos históricos. La influencia de la ópera en la unificación de Italia no suele aparecer en los libros de historia que dan todo el protagonismo a Cavour o a Garibaldi. Francia podría haber perdido batallas decisivas si sus soldados, en desventaja numérica y desmoralizados, no entonan La Marsellesa que convierte a jóvenes asustados en feroces guerreros. Los procesos nacionalistas comienzan antes de lo que normalmente se establece y la música es la prueba.

     Este libro abre horizontes al aficionado a la historia por las nuevas perspectivas y ópticas que ofrece. Pero para el aficionado a la música es todavía más interesante, es un libro sencillamente revelador. La experiencia estética que supone escuchar música adquiere una nueva dimensión. La forma que tenemos hoy de disfrutar de la música es totalmente distinta de épocas anteriores y no demasiado lejanas. El proceso se ha acelerado en los últimos años y abre incertidumbres sobre el futuro.

     Hay un proceso sociológico en la afición a la música que influye en la aparición de los conciertos tal y como los conocemos y entendemos a principios del siglo XXI. Blanning nos explica convincentemente cómo han ido apareciendo los directores, los divos, las orquestas estables, los empresarios, los cantantes, las estrellas del rock, los Djs, etc. Nos cuenta qué circunstancias fueron necesarias para todas estas cosas que conforman el universo musical.

     La música ha ido sufriendo un proceso de popularización desde los salones de los nobles del siglo XVIII hasta los estadios de fútbol. Hemos visto aparecer la canción de éxito, o el alejamiento del público de la música contemporánea. Han surgido la música de consumo masivo, nuevos instrumentos y nuevas formas de escucha que nos ofrece la radio o la música grabada. No asombraríamos de la poca música que podía conocer un aficionado o músico profesional de mediados del siglo XIX. Hoy cualquiera puede tener una gran colección de música en su casa y puede presumir de conocimientos enciclopédicos en comparación con aquella época. pero, al mismo tiempo, vemos el retroceso de los estudiantes de música a medida que la música grabada se populariza. El aparato de música sustituye al omnipresente piano de los salones antiguos. Y donde antes toda una concurrencia compartía la misma música hoy hay una serie de individuos que escucha cada cual la suya con sus auriculares.

     Todos estos procesos quedan perfectamente contextualizados, hilados y expuestos de forma magistral por este digno representante de la ciencia histórica inglesa. La prosa es eficaz y la traducción es muy buena. 

      Si estos temas interesan, este libro es una referencia auténtica y es, además, un placer para la lectura.       

Libro. P. Fraisse: Psicología del ritmo

Título: Psicología del ritmo
Autor: Paul Fraisse

Editorial: Morata

Páginas: 230

Ediciones: muchas, la primera es de 1976, la primera en francés en 1974

Traducción: Dolores Blasco

Contenido
• Introducción
• Los ritmos biológicos
• Los ritmos motores espontáneos
• Compás y balanceo
• La sincronización sensomotora
• El grupo rítmico
• La estructura temporal de los ritmos
• La experiencia rítmica en el tiempo y en el espacio
• Ritmo y medida en la música y en la poesía
• Ritmos artísticos y estructuras perceptivo-motoras
• Ritmo y realización
• Las aptitudes rítmicas
• La arritmia
• Educación por el ritmo y educación del ritmo.

Primeras frases:

El ritmo... Es general expresarse sin dar tiempo a la duda: "Ese movimiento tiene mucho ritmo", "Carlos no tiene sentido del ritmo". Pero tratar de dar una definición lexicológica de ritmo es tarea imposible. Hemos presentado una una obra anterior (1956) un caleidoscopio de definiciones que da testimonio de como a los mejores autores no les ha sido posible ponerse de acuerdo porque cada uno de ellos da preferencia a un aspecto diverso de una realidad cuya complejidad vamos a tratar de poner en evidencia.

Comentario.

Este libro que guardo como un tesoro lo leyó en su momento otro yo anterior al que tengo en mucha estima. No era sino un estudiante de psicología y gran aficionado a la música que quiso leer un libro que aunaba los dos grandes intereses. El descubrimiento del ritmo como fenómeno no únicamente psicológico sino vital tuvo un efecto realmente fuerte en aquel estudiante.

Desde entonces, el que suscribe se fija en todos los ritmos que le rodean. Cuando camina u oye pasos se fija si los pies se acompasan con alguien o algo, cuando oye aplaudir en un concierto se fija en cómo los aplausos se acompasan con frecuencia. Se fija en los ritmos cardiacos, la respiración...

Paul Fraisse no es un cualquiera, para los que no le conocen deben saber que es el autor junto a Jean Piaget de la monumental obra llamada "Tratado de psicología experimental" en nueve volúmenes en su edición francesa. Es pues un científico de primer nivel. Ya escribió una obra anterior en 1956 llamada "Les structures rythmiques: étude psychologique" y en 1967 otra llamada "Psychologie du temps", nos encontramos pues ante una vieja preocupación de este autor. Quizá por estudiar teología con los jesuitas o por el gran interés que le despertó en su día la filosofía en general y la escolástica en particular, pudo interesarse por la percepción del tiempo, asunto este que ya fue tratado por San Agustín y, no digamos por el gran filósofo francés que fue Henry Bergson.

Creo recordar que Heidegger decía que el espacio no es importante en nuestra captación del propio yo y de la realidad. Es el tiempo el que cuenta, el que se presenta ante nosotros como un misterio radical. Podría ser quizá el ritmo la forma que tenemos de vivir en el tiempo, nuestra forma de ser temporales. Quizá la tremenda fuerza de la música como arte que va directamente a las emociones resida en buena parte al ritmo. La música es una forma de organizar el tiempo. Disponemos los sonidos temporalmente y logramos grandes resultados. 

Sin embargo, estos comentarios pueden despistar al lector. No es un libro de filosofía, estamos ante un libro científico que trata de hechos. Que trata de la poesía y la música y de los trastornos de la lectura y escritura como la dislexia, la anusia , la afasia etc. Es decir, de todo lo que tiene relación con el tema escogido.

Este libro es un clásico, su lectura no puede ser más provechosa y, como he dicho al principio, provoca cambios en la conducta personal que duran toda la vida.

El Elías/Elijah de Mendelssohn en Coralea

Se acaba de publicar en Coralea mi último articulo. Esta vez va sobre el oratorio Elías de Mendelssohn, obra que la Sociedad Coral de Madrid está preparando y que podrá oírse en el Auditorio nacional de Madrid el 16 de abril de 2012.

Para ver el artículo:  Elías, Mendelssohn y el álbum de Humboldt

Es un artículo algo más largo de lo habitual porque intenta dar información desde varios puntos de vista. Pensé que era preciso hablar del interés de Mendelssohn por la música sacra y por el oratorio, porque en esto es un autor muy singular. El hecho de estudiar y reestrenar la Pasión según San Mateo con veinte años es un hecho importantísimo para la biografía de este músico y de la cultura alemana. Me he remontado a la juventud de Mendelssohn para explicar la última obra del autor porque, en cierto sentido, es una obra de toda una vida.

Lo he unido a la pequeña historia del álbum de Humboldt porque, aparte de ser otro pequeño milagro de ese desastre que fue la segunda guerra mundial digno de contarse, está unida su historia a la de Mendelssohn aunque solo sea por eso de que todo en la vida está conectado y sólo hay que darle vueltas a la madeja para ver por dónde.

He querido colaborar a un mayor conocimiento de la obra, sobre todo pensando en mis compañeros de coro. Espero que alguno se lo lea. Para entender la obra es preciso saber que va de conversiones, que ya en el Paulus trató este tema y que hay un mensaje. Siempre en la obra de un autor que siente un profundo sentimiento por algo (en este caso la religión) hay un semillero de simbolismos y posibilidades de leer entre líneas que conviene desentrañar, siquiera mínimamente.

Me interesa Mendelssohn porque es un autor muy moderno y futurista para su época, y que al mismo tiempo es un profundo conocedor y admirador del pasado. Es director de orquesta en el sentido moderno. Es decir, programa la temporada de la Gewandhaus de Leipzig,  orquesta sinfónica que no está bajo el patronazgo de ningún noble y que tiene su propio auditorio (Gewandhaus o Sociedad de pañeros) y con un público aficionado perteneciente a la burguesía culta.

    

La Gewandhaus de Leipzig original y actual

Es un pionero en el uso de la batuta y libera al concertino de sus habituales deberes de marcar los ritmos y dar las entradas. Él lo hace todo, es decir como se hace hoy. Vemos como la vida musical de Leipzig se parece mucho a la que puede hoy disfrutarse en una ciudad europea o americana y esto entonces era excepcional. Mendelssohn ha marcado el camino que han seguido las orquestas que fueron apareciendo en los siglos XIX y XX.

Se suele decir que Mendelssohn es el compositor "feliz". Tuvo la mejor de las educaciones, nunca tuvo problemas económicos, ni problemas sentimentales, pues fue un rico hombre casado con una encantadora mujer y con unos hijos maravillosos. Fue admirado y reverenciado y su música se difundió por Europa siempre sin problemas. Sin embargo, cuando alguna vez se le preguntó si una biografía así podía dar grandes frutos artísticos, contestó que no hace falta sufrir grandes desgracias para tener una vida dura, con preocupaciones de toda índole. No fue un hombre atormentado, pero sí preocupado por muchas cosas, especialmente religiosas, artísticas e, incluso, políticas. Efectivamente, se dice que le preocupaba la vida política que le tocó vivir y que el Elías se escribió para dar un imagen simbólica de lo que podía verse en aquella Alemania de entonces. Recordemos que Mendelssohn nace en Hamburgo de donde tiene que huir de niño por causa de la guerra napoleónica, vive muchos años en Berlín, capital política de Prusia y acaba su carrera en la capital económica de Sajonia. Reinos y estados independientes que expedían sus propios pasaportes y que obligaban a un permanente viajero como Mendelssohn a hacer trámites burocráticos de todo tipo para viajar de un lado a otro de Alemania.

La preocupación por la unidad alemana empieza  extenderse. El mismo año del estreno del Elías, Bismarck empieza su carrera política en Berlín y comienza a trabajar por su objetivo de unidad germánica que culminará en la década de los setenta con la fundación del Segundo Reich. Es la lucha del héroe que tiene  un fin mesiánico donde se mezclan ideales éticos, políticos, culturales etc. Es decir, un Elías.

Curiosamente, donde este oratorio nace y tiene un éxito enorme es en Inglaterra, país que Mendelssohn adoraba y que prefería incluso a Italia. Los paisajes de Escocia, del Mar del Norte, por no hablar de las Hébridas le fascinaban. Hablaba un extraordinario inglés y viajó con frecuencia por todo el Reino Unido. Allí era reverenciado. Se iniciaba por entonces el interés por la música en las clases burguesas. Comenzaron allí los empresarios a montar conciertos y la gente medianamente pudiente tomó como costumbre colocar un piano en el salón. No había compositores de primer nivel en aquellas tierras y los autores alemanes solían tener mucho éxito, quizá con el terreno abonado que dejaron Haendel y Haydn en años no muy lejanos. Así, Liszt o Mendelssohn provocaban entusiasmos más que notables en las audiencias británicas.

El Elías en Inglaterra es toda una institución. Es más que un oratorio, como a veces se dice. Al igual que el Mesías, ha suscitado la aprobación de un público ávido de música y que ha tenido pocos prejuicios en acoger músicos extranjeros, quizá por lo ya dicho, no había surgido en Inglaterra un músico de gran talla desde Henry Purcell y de eso ya había pasado mucho tiempo.

Ahora es una típica obra de repertorio en todo el mundo que se canta en alemán o en inglés, pues a ambos idiomas pertenece por derecho propio.

Me siento muy satisfecho con el resultado y por contribuir aunque sea mínima y malamente a la difusión de una obra que merece la pena.

Libro: E. Fubini. Estética de la música

Título: Estética de la música
Autor: Enrico Fubini
Editorial: Antonio Machado Libros

Colección: La balsa de la medusa

Serie: Léxico de estética

Páginas: 168

Ediciones: 2001, la primera en italiano en 1995

Traducción: Francisco Campillo

Contenido:

Parte primera

Los problemas estéticos e históricos de la música

I. Las cuestiones básicas de la disciplina

II. La dimensión estética de la música

III. La música y el sentido de su historicidad

Parte segunda

Breve historia del pensamiento musical

IV. El mundo antiguo

V. Entre el mundo antiguo y el medioevo

VI. La nueva racionalidad

VII. La Ilustración y la música

VIII. Del idealismo romántico al formalismo de Hanslick

IX. La crisis del lenguaje musical y la estética del siglo XX

Conclusiones

Bibliografía

Primeras frases:

Este breve estudio se propone ofrecer una ojeada sintética a los problemas complejos y ricos en implicaciones no sólo referentes al ámbito filosófico, sino también al de la historia, de la sociedad, del público, los intérpretes, etc. 

Comentarios:

Como tratamos hoy de un libro de estética incluido en una serie sobre este tema, comenzaremos diciendo que el libro presenta una apariencia muy cuidada, muy acorde con el título. 

Por lo demás es un libro de mucho interés y se lee bien y eso que la estética musical es un asunto un tanto espinoso. Parece que no hubiera unas líneas generales en las que sostenerse. Si Platón fue de los primeros en preocuparse por este tema, ya no le hacemos mucho caso. No hay unas ideas absolutas que gobiernen la belleza de los sonidos. En todo caso, el tema es un tópico antiquísimo como demuestra que fuera ya tratado por Pitágoras o el citado Platón. Desde entonces muchos autores han observado el poder de la música. Para algunos como Schopenhauer la música se convierte en el eje de su filosofía y otros han sido directamente músicos como Nietzsche.

Con todo, desde los griegos hasta hoy la música ha ido evolucionando y adquiriendo formas muy diversas. En nuestra cultura occidental ha adquirido una importancia inusitada y una sofisticación extraordinaria, por no hablar de la presencia tan grande que tiene en nuestro mundo.

La estética musical ha ido adaptándose a las diferentes épocas por lo que el libro, sabiamente, es un pequeño tratado de historia de la estética musical. El final es el siglo XX donde el autor nos llama la atención sobre la explosión estética que supone. Van apareciendo el dodecafonismo, el serialismo el postdodecafonismo, el minimalismo y yo qué se cuantos más ismos. Los propios compositores se vuelven filósofos y escriben multitud de libros sobre estética musical. Teorizan intentado poner orden en el caos musical de ese siglo tan complejo y ahí tenemos escribiendo libros a Schönberg, Cage, Berio, Stockhausen, Boulez etc. 

Si los compositores se han divorciado del público, parece como si quisieran explicar sus razones. pero siempre al final, para el lector queda la última pregunta sin contestar: Todo esto está muy bien y es muy interesante, pero ahora ¿Qué va a pasar? ¿Hacia dónde se encamina la música?

CD: Accentus. Transcriptions

Título: Transcriptions
Intérprete: Accentus. Dir. Laurence Equilbey

Compositores: Varios
DDD
URI de Spotify: Accentus – Agnus Dei, Adagio opus 11
Grabado en 2001

Contenido:

1 Agnus Dei, for chorus (arr. from 2nd mvt. of String Quartet), Op. 11

2 Adagietto, for orchestra (from the Symphony No. 5)

3 Immortal Bach (After Bach's Chorale Come Sweet Death), for chorus

4 Etude for piano No. 6 in E flat minor, Op. 10/6, CT. 19

 5 Trois poèmes de Stéphane Mallarmé, song cycle for voice & ensemble (or piano): Soupir

 6 Das verlassene Mägdlein ('Früh, wann die Hähne krähn'), song for voice & piano (Mörike Lieder)

7 Auf ein altes Bild ('In grüner Landschaft Sommerflor'), song for voice & piano (Mörike Lieder)

8 Early Songs (7), for voice & piano (or orchestra): Die Nachtigall

9 Ich bin der Welt abhanden gekommen, song for voice & piano (or orchestra) (Rückert Lieder No. 3)

10 Les Angélus ('Cloches chrétiennes pour les matines'), song for voice & piano, L. 76

11 Piano Sonata No. 3 in B minor, Op. 58, CT. 203: Lulajze, Jezuniu (Largo)

Comentario: A estas alturas es inútil comentar la excelencia de este coro parisino y de su directora y fundadora Laurence Equilbey. El coro tiene ya 20 años y tiene en su haber discos que son de referencia. En esta ocasión se atrevieron con transcripciones de famosas y maravillosas páginas orquestales arregladas para coro mixto. La segunda, Kein deutscher Himmel, es una versión para coro del adagietto de la 5ª sinfonía de Mahler con reminiscencias venecianas en la letra (esto puede ser todo menos raro) y primer corte es otra transcripción, esta vez del Adagio para cuerdas de Barber convertido en un memorable Agnus Dei. El libreto es muy completo y merece la pena leerlo y el sonido es excelente. Si en directo ofrecen una calidad extraordinaria como hemos podido comprobar en sus visitas al Auditorio Nacional de Madrid, en disco no hay fallos y toda la producción está muy mimada. Disfrutad de este disco en vuestro equipo o en Spotify, es una maravilla.

Libro: Gino Stefani: Comprender la música

Título: Comprender la música
Autor: Gino Stefani
Editorial: Paidós
Colección: instrumentos paidós. Colección dirigida por Umberto Eco
Páginas: 139
Traducción: Rosa Premat
Título original: Capire la musica
Edición. 1ª en italiano en 1985, 1ª en español 1987

Contenido:

1. El sentido de la música
2. El universo "pop"
3. El "lenguaje" musical
4. Clásica y lírica
5. Lo "moderno" ayer y hoy
6. Proyectos, experiencias, obras

Primeras frases:

Vivimos sumergidos en un océano de sonidos. Vivimos sumergidos en los sonidos. Y en la música. Por todas partes, a todas horas. La respiramos sin siquiera darnos cuenta. Sin embargo, a veces puede convertirse en un ruido indeseable, o incluso en una tempestad, una agresión. También es cuestión de volumen.

Autor:
Prof. Dr. Gino Stefani de la Universidad de Bolonia

Gino Stefani realizó estudios de música, musicología, clarinete, composición y polifonía vocal en el Conservatorio de Milán. Es Doctor en Filosofía y ha organizado el 1º y 2º Congresos Internacionales de Semiótica Musical en Belgrado y Helsinki respectivamente, con Eero Tarasti.

Es miembro del International Group of Research in Musical Signification y de 1992 a 1996 fungió como director de la revista Progetto Uomo-Musica.

Entre sus publicaciones destacan Introduozione alla Semiotica della musica (1976), Competenza musicale e cultura della pace (1985), Musica con coscienza (1989) y Il linguaggio della musica (1990). Además, ha sido coautor de varios otros libros junto con Luca Marconi y con Franca Ferrari, y editor de la compilación titulada Intense Emozioni in Musica (1996).

Comentario:

Aquí tenemos otro libro de un prestigioso autor que pretende ayudarnos a comprender la música. Las preguntas son ¿Nos ayudan estos libros a comprender la música? la respuesta es sí. ¿Logran que comprendamos la música? La respuesta es que naturalmente que no.

Me arriesgo a quedar como un pretencioso y un sentencioso sin fundamento. Sin embargo, debo decir que no creo que la música pueda ser entendida. Afortunadamente. Al final, es cierto que logra lo más importante: que nos mantengamos intentando comprender sin perder el interés. Esto es lo que importa.

Estoy convencido de que ni siquiera los compositores entienden eso que llamamos música. Es imposible que comprendan porqué una melodía conmueve a la gente. Pueden intuir, si son buenos, qué emocionará y qué no. Pero saber porqué pasa eso, es harina de otro costal.

El libro tiene la virtud de pretender ser muy actual. Trata los temas que más preocupan, por ejemplo la música contemporánea. En los dos últimos capítulos se habla de Stockhausen, Stravinsky, Berio, Varese o Schönberg y también habla en otros capítulos del fenómeno "pop". Habla del resurgir del barroco, de los instrumentos antiguos. Es decir, se atreve con todo en un ensayo cortito con más vocación de ser útil que de convertirse en un clásico.

Dedica un capítulo a la voz aunque se centra en la ópera y la lírica y no tanto a la música coral. Al fin y al cabo es un autor italiano. La ópera es un arte musical, pero es al mismo tiempo un fenómeno cultural y social. La música tiene un papel que no ha tenido nunca y al autor se ve que estas cosas le preocupan. 

En resumidas cuentas, es un libro interesante. En su tema uno más. Puede que sea difícil de encontrar, pero si cae en vuestras manos leedlo, que no perderéis el tiempo.
Thyrsus me fecit

Crónica de un Requiem de Mozart

LOS PROLEGÓMENOS

La fundación Excelentia lleva años organizando conciertos en el Auditorio Nacional con las orquestas que ha ido formando y también con coros. Al principio contrataba coros o convocaba a participantes individuales. Ahora prefiere tener sus propios coros estables que son la Excelentia Choral Academy y la Sociedad Coral de Madrid. Sin embargo, en esta ocasión vuelve la vista atrás y rememora un concierto de hace dos años en que se montó el Requiem de Mozart.

Efectivamente, todo comienza dos años antes con otro montaje de esta obra. La Fundación Excelentia organiza un magno concierto que incluye la Misa de Requiem. La orquesta será la European Royal Ensemble bajo la batuta de Cristóbal Soler, el preparador del coro Javier Corcuera. El evento está enmarcado en el ciclo de conciertos de la Fundación Excelentia en el Auditorio Nacional. La fecha: el 26 de marzo de 2010 a las 22:30 h:

                                                           La foto corresponde al concierto.

El coro Vox Aurea, que es el mío, recoge la iniciativa y la invitación con entusiasmo. Los ensayos en horario normal de ensayo de coro son laboriosos, pero hay empeño e ilusión. Finalmente el concierto sale bastante bien y, con el tiempo, conseguimos un CD con la grabación del mismo. La misma experiencia se repitió en Valencia y Zaragoza con coros locales.

Casi dos años después, la Fundación Excelentia decide organizar un concierto donde vuelva a ofrecerse el Requiem de Mozart invitando a los participantes de aquella ocasión en Madrid, Valencia y Zaragoza. Todo indica que el coro estará formado por 430 participantes. La orquesta será la O. Sinfónica Santa Cecilia y el director Julian Kuerti.  Tendrá lugar el 4 de febrero de 2012.

28/29 de enero. LOS ENSAYOS CON EL PREPARADOR. Ciudad Escolar
Los ensayos para este Requiem se reparten a lo largo de una semana. La primera tanda de ensayos son el 28 y el 29 de enero en el salón de actos del IES Ciudad Escolar de Madrid. 

Asisten los coralistas de Madrid bajo la dirección del que será nuestro preparador, el maestro Miguel Ángel García Cañamero que es el subdirector del Coro Nacional de España y actual director de la Excelentia Choral Academy:

Esta vez no hay coros invitados, la base la constituye la Sociedad Coral de Madrid y la Excelentia Choral Academy de la Fundación Excelentia y acuden invitados coralistas participantes en la ocasión citada en las ciudades citadas. 

La Fundación insiste en que esta vez no llevaremos fotocopias sino la partitura en edición original, para ser exactos la Bärenreiter Urtext:

Hemos empezado por tanto con dos ensayos en las mañanas del último  fin de semana de enero de 2012, los horarios serán de 11:00h a 14:00h. El lugar ya es conocido por el coro pues es donde hemos ensayado otras obras incluido el primer Requiem. También es donde la orquesta sinfónica Santa Cecilia y la Sociedad Coral de Madrid se hicieron la foto para la revista Ritmo:

El preparador ha establecido desde el principio una relación muy cordial con el coro y ha demostrado conocimiento y dominio de la situación. Mientras llega la pianista se hacen los ejercicios de respiración y de entonación.

Por fin llega, aunque algo atacada, la pianista de ensayo. Monta el piano a toda prisa, incluso con algún amago de derrumbe del instrumento, y comenzamos con el Introitus. El preparador observa complacido que la pieza llaga a su final sin problemas. Pero como siempre pasa, quiere indicarnos algunos detalles que deben mejorar.
Nos indica que debemos atacar con una buena pronunciación. La K del Kirie inicial debe ser muy clara. Insiste mucho en este detalle, llega incluso a decir que oye "Irie" y no"Kirie". La gente empieza a inquietarse un poco hasta que alguno menos tímido levanta la mano y recuerda al maestro que la pieza no comienza con la K de Kirie sino con la R de Requiem.
El maestro no puede por menos que dar la razón al cantor que se ha atrevido a corregirle y no pierde la compostura. Por supuesto, ha querido referirse a la R de Requiem, nos dice que oye "Equiem" y no "Requiem". Aclarado el asunto se ensaya una sonora y rotunda R y continuamos con el Kirie, esta vez de verdad.
El Kirie se canta sin problemas, el preparador comenta "Se ve que os acordáis". De todas maneras hay un cierto trabajo de fraseo, introduciendo algunas instrucciones que mejoran la musicalidad de la pieza y facilitan las coloraturas.
El Dies Irae también se canta bien, pero le falta fuerza. Según el maestro está un poco blando, por eso, será este el aspecto que se trabajará en los minutos siguientes.
Con el Rex Tremendae volvemos al asunto de la pronunciación de la R de Rex y a su X. pero todo va bastante bien. Es muy agradable ver que todos se saben las piezas y que se va avanzando deprisa.
Con el resto del Requiem los detalles que hay que trabajar son similares: fraseos, respiraciones, etc. Las dos mañanas trasncurren con gran aprovechamiento. Los descansos son más bien largos lo cual ayuda dado el gran paseo que hay dar hasta la cafetería.
El domingo acabamos de mirar todo y el maestro nos agradece el trabajo declarando incluso que para él ha sido un placer prepararnos. Es despedido con un gran aplauso por parte de todos.

31 de enero. PRIMER ENSAYO CON JULIAN KUERTI. Auditorio Nacional.

Tenemos a las ocho el primer ensayo con el director en el Auditorio Nacional entrando por la puerta de artistas que es la misma que la de la sala de cámara. 

Como puede verse, a pesar de ser un coro muy numeroso no hay mucha aglomeración a la puerta del Auditorio sólo diez minutos antes del comienzo del ensayo. Es un día muy frío

El pasillo de entrada a a sala de ensayo del Coro Nacional empieza a llenarse rápidamente. Esta sala es un pequeño auditorio al que se accede bajando unas escaleras, está por tanto bajo el nivel del suelo. junto a la puerta de entrada de la sala hay una mesa, un montón de tarimas arrumbadas bajo una escalera y un tablón de anuncios muy interesante para el que no se le ha ocurrido nunca mirar este tipo de artilugios. Ejemplo de anuncio del tablón:

Hay más anuncios pintorescos, pero sirva este de muestra. 

Entramos en la sala, que tiene una serie filas de butacas muy empinada. nadie sabe donde hay que sentarse o como se va a distribuir el espacio, así que la gente se organiza como buenamente puede y pronto se ve que no hay asiento para todos.

El coro está muy descompensado, hay muchas más mujeres que hombres, pero como la invitación a participar ha sido sin condiciones, pues es lo que hay.

Una vez todos sentados (más o menos) se dan instrucciones para no hacer fotos, por lo que hay que guardar el teléfono. Se presenta el maestro y da orden de diez minutos de ejercicios preparatorios, pero como no dice lo que hay que hacer, el coro mismo improvisa una serie de vocalizaciones de las que se suelen hacer en estos casos. Por fin empieza el ensayo. 

El maestro Julian Kuerti se disculpa por no dominar el español, pero el hombre hace un meritorio esfuerzo y utilizará un lenguaje como el de los indios de las películas lleno de palabras inventadas o fruto de un mix italo-anglo-español. "Un sonido más suave" será "Una sonora menos fuerte" o "Una corchea con puntillo" se convertirá en "Una corrchera con punto". Pero educadamente todo el mundo le mira como si hablara el mejor castellano. Probablemente hemos afianzado una serie de errores lingüísticos que pueden durarle de por vida.

Ordena atacar el Introitus y, una vez terminado, seguimos con el Kirie. Ahí se para y empieza con sus instrucciones. Le va a dar un aire bastante distinto al que hemos visto en los ensayos con el preparador. El Requiem será tratado un poco a la barroca, con contrastes entre frases contundentes y coloraturas ligeras. El sonido (o la sonora) es a veces desajustado entre las voces, no nos oímos bien y somos muchos. Algo mejora en las repeticiones, pero yo por lo menos no me quedo nada tranquilo. Seguimos con el Dies Irae y el Rex Tremendae. Continuamos trabajando detalles adaptando el canto al gusto del joven maestro canadiense.

A partir de ahí, suponemos que por la hora, se canta todo seguido sin interrupciones hasta la Communio,  que no llega a cantarse. Sólo vuelve un momento al Sanctus para ver algún detalle.

El ensayo termina, el maestro agradece el trabajo del coro y se le aplaude. Los comentarios a la salida son menos entusiastas que en el anterior ensayo. Lo que oigo mientras la gente se pone el abrigo o va saliendo es que los resultados con García Cañamero eran mejores. Es muy comentada la gran velocidad que ha impreso a las partes del Requiem ensayadas. Es verdad que con el preparador vimos el Requiem en 6 horas y aquí sólo hemos dispuesto de 2. Quedan los ensayos con orquesta en la sala sinfónica del Auditorio. Me resulta preocupante el número de coralistas y la descompensación entre cuerdas. Los comentarios al día siguiente en Facebook son algo encontrados entre los entusiastas inasequibles al desaliento y los preocupados como yo, pero todos parecen seguros de que al final todo saldrá bien. Esperemos que así sea.

3 de febrero. SEGUNDO ENSAYO CON JULIAN KUERTI. Ciudad Escolar.

Volvemos a las instalaciones de la Ciudad Escolar con un frío notable. La esperanza es que la calefacción funcione razonablemente. De camino esto es incluso más importante que pensar en si el ensayo saldrá mejor que el anterior. Hoy no se ha dicho nada de las fotos por lo que me atrevo a sacar alguna disimuladamente.

El ensayo ha empezado con media hora de retraso, somos muchos pues han llegado los cantores de Zaragoza y Valencia. Afortunadamente en el salón de actos no hace frío aunque para prevenir se han puesto los abrigos en las salidas de aire como ya hicimos en el ensayo anterior. Luego se advierte que es una maniobra inútil pues se va a reservar las primeras filas para que los músicos dejen las fundas y estuches de sus instrumentos.
Nos sentamos siguiendo instrucciones y comienza el ensayo. Estaremos sentados en la platea y la orquesta de espaldas a nosotros. De esta forma Julian Kuerti nos verá a todos. Esta vez veremos todas las piezas con más detenimiento y el maestro repite algunas de las instrucciones dadas el martes pasado. Insiste mucho en el silencio pues es verdad que tanto en la orquesta como en el coro abunda el/la incontinente verbal. Con las alarmas de los móviles parece que hace un poco la vista gorda. Esperemos que mañana no le suene la melodía Nokia a ninguna alto.
Se han ensayado las partes de los solistas. Kuerti Se ha saltado el Rex Tremendae para pasar directamente al Recordare, aunque antes advierte que "Tenemo un problema e non piccolo" pues le faltan el tenor y el bajo que están en paradero desconocido. El Recordare comienza con solo soprano y alto. A la mitad aproximadamente de la pieza aparecen los cantantes masculinos. Hay un cierto regocijo contenido en la platea. Se ponen en su sitio y buscan a afanosamente la página, lo cual parece laborioso, Por fin se hallan y se unen a sus compañeras solistas.
La segunda mitad va más deprisa que la primera. De nuevo la premura hace que la se pare menos a detallar  la partitura.. La orquesta no se oye muy bien y sospecho que hay demasiados desajuste en los tempi. Especialmente en partes como el Confutatis. Los solistas no han gustado mucho al coro. El bajo parece que se salva y algo también la alto Ana Cristina Marco. El tenor, Jorge Franco, no ha entusiasmado y se dice que no se le va a oír mucho y la soprano, Vanessa García, no ha gustado a nadie. Preocupa su afinación.
Nos veremos al día siguiente en el Auditorio.

4 de febrero, 11:00h. TERCER ENSAYO CON JULIAN KUERTI. Auditorio Nacional
Por fin hemos visto mejor la estrategia del director. Hoy finalmente hemos entrado en todos los detalles que estábamos echando en falta. Parece como si nos hubiera estado introduciendo en la partitura poco a poco. Hemos empezado por el Confutatis para ver mejor lo que hasta ahora íbamos dejando para el final. Somos realmente muchísimos, pero bien, todo ha ido bien. Se nos sienta a los hombres en el escenario de esta sala de coro y podemos ver desde ahí todas las butacas ocupadas hasta la última fila por mujeres, perecería que fuéramos a cantar para un público exclusivamente femenino. También hemos tenido los detalles acostumbrados puesto que volvió a sonar un móvil entre las altos. Me pregunto si es siempre el mismo.

El director está relajado, se ríe después de decir en voz alta !Hostias! refiriéndose a la parte que debíamos empezar. Al notar las risitas de la gente se ríe con cara de inteligencia y dice "yesterday I learned the meaning of this word".
Al final del ensayo la gente está más tranquila y satisfecha. Lo prueba el aplauso final al director que se ha notado más entregado y convencido. Las dos horas han pasado rápido y a la una nos dan media hora de descanso antes de la prueba de sondo en la sala sinfónica.

4 de febrero. 13:30h. PRUEBA DE SONIDO  CON JULIAN KUERTI. Auditorio Nacional.
Hemos visto un director. Hemos visto cómo se enfrenta a la orquesta con educación pero con firmeza afeando a unos cuanto miembros de la misma su retraso. La verdad es que queda muy poco profesional. Incluso a mitad del primer movimiento de la 5ª sinfonía de Mendelssohn se incorpora una chelista que entra de puntillas en el escenario, se sienta y empieza a tocar con sus compañeros. Hemos cumplido con el tópico español de dar poca importancia a la puntualidad.

Se nos insiste en lo de las fotos, pero parece que el problema son los flashes que hacen saltar no se qué alarmas. Hago alguna foto sin flash. El director ha impuesto el ritmo de ensayo y hemos visto como atendía las protestas de un viola, pero no hemos podido oír lo que decía. Incluso su español ha mejorado algo, "la sonora" se ha convertido en "el sonore" con lo que, al menos, el género es correcto.
A mi me parece que el coro es demasiado grande para el tamaño de la orquesta, no la oigo mucho y eso que estoy en la primera fila de los bancos de coro. Algunas de las instrucciones que nos ha dado sobre pronunciación y dinámicas no salen como debieran, pero el maestro no dice nada, supongo que pensará que a estas alturas ya no da tiempo a más sutilezas. Si que se detiene a aspectos más teatrales. Al bajo David Sánchez, cuando comienza el Tuba mirum, le hace sentarse cuando se levanta. Le indica que debe levantarse más despacio. El bajo se vuelve a levantar con más parsimonia, tal y como se le ha indicado.
En el segundo Hosanna los tenores se hacen un buen lío y es preciso repetir. A la segunda sale bien, pero se nos indica que miremos al director al menos durante cinco compases para seguir su batuta.
La prueba de sonido estaba prevista hasta las tres y media. Sin embargo, poco más allá de las tres se le hace seña al director indicando que debemos desalojar la sala. El maestro recuerda que hemos empezado tarde por culpa de algunos instrumentistas y pide dos minutos más para terminar. El mismo viola de antes protesta de nuevo, pero logramos terminar el Agnus Dei y el primer número de la Communio. Después, el director  nos despide dándonos las gracias. Quedamos emplazados para volver a vernos a las nueve de las noche en la sala de coro.

4 de febrero. 21:00h. EL CONCIERTO. Auditorio Nacional.

A las nueve el vestíbulo de la entrada de la sala de cámara del Auditorio está abarrotada de gente, muchos ya están vestidos de negro.

Volvemos a la sala de ensayo de coro donde nos va a atender el preparador Miguel Ángel García Cañamero. Ya está todo el mundo vestido para la ocasión; Traje negro y camisa negra o vestido largo negro. Dedicamos un buen rato a los ejercicios de voz. Finalmente, García Cañamero nos agradece el trabajo, nos dice que ha sido un placer trabajar con gente con tanto entusiasmo y desea trabajar pronto con nosotros de nuevo.
Después tenemos un rato de asueto hasta que nos toca colocarnos en nuestros sitios en el escenario. En ese momento vamos entrando a la sala y nos vamos sentando en los asientos que tenemos asignados. En los bancos de coro no parece haber problema, pero en los asientos habilitados más abajo junto a la orquesta los cantores allí destinados están algo despistados. Parece que incluso hay sillas de más. Se hace bajar a gente de los asientos de tribuna. Incluso así sobran al final algunas sillas que retiran.
El público ha terminado de entrar a la sala tras el descanso. Recordamos que en la primera parte del concierto han escuchado a la orquesta tocar la 5ª sinfonía de Mendelssohn (Pieza que el maestro Kuerti volverá a dirigir en Colorado Springs el 18 de febrero). Hay mucho familiar y amigos de los cantores. Se ve en los asientos a mucha gente que saluda y hace todo tipo de señas al coro.
El concierto en general va bien. O así lo suponemos. El director da poca información sobre su grado de satisfacción. Sospecho que se ha hecho a unas expectativas moderadas y en ese nivel se mueve. Van pasando los números y al llegar al segundo Hosanna los tenores atacan su parte con un poco de miedo, pero sale bien. Desde luego habría quedado mejor con una entrada con mayor decisión, pero dado lo sucedido en el ensayo lo damos por bueno.
Cuando la cosa termina hay muchos aplausos, lo cual es de agradecer. Los solistas, el preparador y el director salen repetidas veces a saludar y se nos hace levantar varias veces. El bajo nos aplaude y también aplauden miembros del coro al preparador y al director.
Volvemos al camerino donde hemos dejado nuestras cosas. Casi todo el mundo está contento. Hay un bajo que repite "yo esperaba más de este concierto", pero la tónica general es de alegría. La única crítica unánime es hacia la soprano solista. Hemos cantado un Requiem en el Auditorio Nacional. No habrá sido antológico, pero no ha estado mal. A la salida me espera mi hija y me dice que le ha parecido muy bonito. Encuentro conocidos en el metro, me dicen que les ha gustado mucho, no esperaban un coro tan grande y les ha parecido sobrecogedor.
La experiencia ha estado muy bien y creo que todos hemos aprendido, que es de lo que se trata. No somos cantores profesionales y estas ocasiones nos proporcionan una gran motivación y una gran ocasión para aprender.
Pronto se publica en YouTube un vídeo con el Kyrie:

Los que hemos participado y pertenecemos a la Sociedad Coral de Madrid volvemos pronto al Auditorio con el Elías de Mendelssohn. Quizá no hagamos la mejor música del mundo, pero intentamos suplir conocimiento musical y experiencia con entusiasmo.
Crítica en la revista Ritmo:
(Pinchar en la imagen para verla mejor)

Libro: Guy Cornut: La voz

Titulo: La voz
Autor: Guy Cornut
Editorial: Fondo de Cultura Económica. Méjico DF
Colección: Breviarios
Páginas: 157
Ediciones: varias, la primera en español de 1985
Traducción: Antonio Garst

Contenido:
I. El aparato vocal y su funcionamiento

Introducción
- El aparato respiratorio
- La laringe
- Resonadores
- Papel del sistema nervioso

II. La voz hablada
- Parámetros acústicos de la voz
- Génesis y evolución de la voz
- La voz como carácter sexual secundario
- Voz y personalidad
- La voz como fenómeno cultural

III. La voz cantada
- Introducción
- Problemas fisiológicos particulares planteados por el canto
- Diversas formas del canto

IV. Enfermedades de la voz
- Perfil vocal
- Definición e intento de clasificación de los trastornos vocales
- Tratamiento de los trastornos vocales
- Ejemplos de trastornos vocales

V. Educación y reeducación de la voz
- Introducción
- Principios fisiológicos fundamentales de la educación vocal
- Diversos métodos de trabajo vocal
- Educación y reeducación de la voz hablada
- Educación de la voz cantada

Vocabulario
Bibliografía
Índice de gráficas

Primeras frases:

Se suele usar el término de "aparato vocal" o de "aparato de la fonación" para referirse al conjunto de órganos que permiten al hombre emitir sonidos. Esta terminología puede crear una idea inexacta al dar la impresión que se trata de un aparato cuya única y sola función sería precisamente esta producción sonora.

Comentario:

El coralista confía de forma natural de las enseñanzas del director. Esto normalmente es bastante sensato teniendo en cuenta que con mucha frecuencia los directores de coros saben mucho de voz e, incluso, son también cantantes.

Con todo, el coralista avezado debe saber más, debe indagar por su cuenta. Por eso son muy útiles este tipo de libros que ayudan sobremanera a comprender cómo funciona el aparato fonador y todo órgano, músculo etc. que interviene en el hecho del canto.

El manual es asequible, barato, y con la extensión justa. El tamaño ayuda a animarse a lerlo puesto que no es meterse en aventuras inabarcables. La aventura de leer este libro es grata y puede enseñarnos cosas interesantes. Ved el índice y comprobaréis que es bastante completo.

El canto es la aplicación directa, pero no la única. Este libro está indicado incluso para el profesor que quiere utilizar la voz sin cansarla y sacándole todo el partido posible. El libro está ilustrado, aunque es verdad que más gráficos y dibujos hubieran sido bienvenidos.

Es un buen libro. El autor no es cantante, es foniatra y muy prestigioso y esto debe saberse.

Estamos en manos de un especialista que nos dará más de una sorpresa, porque hay mucha idea errónea extendida en lo que se refiere a la voz. Imprescindible para el coralista.

Thyrsus me fecit

CD: Whitacre: Light & Gold

Título: Light & Gold.
Compositor: Eric Whitacre
Intérpretes: The Eric Whitacre singers, Laudibus, The King's Singers, Pavao Quartet y Christpher Glynn. Dir: Eric Whitacre.
DDD
URI de Spotify: Eric Whitacre – Light & Gold
Grabado en 2010
Contenido:

1. Lux Aurumque
2. Temuna (Five Hebrew Love Songs)
3. Kala Kalla (Five Hebrew Love Songs)
4. Larov (Five Hebrew Love Songs)
5. Eyze Sheleg! (Five Hebrew Love Songs)
6. Rakut (Five Hebrew Love Songs)
7. The seal lullaby
8. A Boy and a Girl
9. Leonardo Dreams of His Flying Machine
10. I will wade out (Three Songs Of Faith)
11. Hope, faith, life, love (Three Songs Of Faith)
12. I thank You God for most this amazing day (Three Songs Of Faith)
13. The Stolen Child
14. Water Night
15. Nox Aurumque
16. Sleep

Comentarios:

Eric Whitacre se embarca en un disco y le sale un candidato a los Grammy. Esto para un disco de música coral de un autor contemporáneo es todo un logro, por no mencionar que consiguió ser el número 1 en CD de clásica en los USA. Ni Lauridsen, ni Miskinis ni otros grandes de la música coral pueden decir cosas parecidas. Whitacre ha traído el glamour al coro.

Sin embargo, todo lo ya dicho no debe equivocarnos, Eric Whitacre es un autor importante, de los buenos. Será porque es americano, guapo y dicharachero o será por otras razones, pero al final es preciso decir que es un autor reconocido y admirado.

Hay otros discos dedicados a su música y, normalmente se repiten algunas de sus composiciones más clásicas, si este término se puede usar ya con su música. Estas piezas son, por ejemplo, Lux Aurumque, Water Night, Leonardo Dreams of His Flying Machine, Sleep... Se trata de canciones que los coros adoran, que los cantores disfrutan y que el público aprecia. 

En este CD aparecen grandes canciones como la colección de temas hebreos que tienen un aroma hebraico ineludible y hermoso. La mujer de este músico, Hila Plitmann, es de origen israelí y sin duda ha contrubuido a su inspiración y cercanía al mundo judío.

Seal Lullaby es una canción muy agradable y una cierta rareza en su producción porque hay en el resto de las canciones de este autor un espíritu mas investigador en las armonías. Sus composiciones son poco contrapuntísticas, prefiere centrarse en buscar atmósferas sorprendentes y armonías delicadísimas.

Parece ser que para la primavera de 2012 prepara otro disco y visto lo visto puede ser otro éxito. Tendrá que buscar tiempo para componer porque este hombre no para. Da cursos por todas partes (En abril de 2012 en Madrid), dirige aquí y allá, pasa buena parte de su tiempo escribiendo en Facebook y en Twitter y además quiere ser un hombre familiar. Ha dejado Los Ángeles y se ha mudado a Londres. Su vida ha debido de cambiar mucho y parece que le gusta.

En resumen, es un disco para disfrutar y para profundizar en este tipo de música tan bella. La voz humana es tratada con todo el respeto y se le saca todo el partido posible. Que un gran compositor decida que esta es la música que le gusta es extraordinario. Si no existiera Eric Whitacre habría que inventarlo.

Eric Whitacre dirige The Seal Lullaby:

Eric Whitacre dirige Water Night:

Eric Whitacre dirige Hope, faith, life, love:

Eric Whitacre dirige Sleep:

Eric Whitacre dirige Nox Aurumque:

Eric Whitacre dirige Lux Aurumque en coro virtual:

Thyrsus me fecit

Las iglesias de Bach en Leipzig: 2 La Nikolaikirche

Leipzig consigue desde la edad media una importancia grande gracias al comercio. Se convierte en la capital mercantil de Sajonia. Por ello no es de extrañar que una de las grandes iglesias de la ciudad se consagre en su día a San Nicolás patrón de los comerciantes. La iglesia se funda en 1165 y desde entonces sufre una serie de transformaciones que le dan el aspecto que presenta hoy. La iglesia se construye en estilo románico, pero en la primera gran restauración a principios del XVI se le da un aire mucho más gótico y es la forma que se ve hoy. El campanario es barroco y se construye en 1731.

Lo que sorprende al visitante es el interior tan colorista y tan abrumadoramente ornamentado con motivos vegetales. Las columnas se convierten en palmeras y la techumbre verde y rosa combina con los blancos dando una imagen única. Si se quiere ver lo barroca que puede llegar a ser una iglesia ha de verse una alemana y esta es un buen ejemplo. Hay que señalar que todo ello no pudo verlo Bach, pues la decoración a la que aludimos es de finales del XVIII, entre 1784 y 1797.

El órgano ya no es tampoco el que pudo tocar Bach, pues es del siglo XIX y tiene, por tanto, características románticas.

Nada más llegar a Leipzig Bach monta la cantata 75 en esta iglesia y, al año siguiente se estrena en ella La Pasión según San Juan. El Cantor de Santo Tomás frecuentaba por contrato esta iglesia para tocar el órgano y otras celebraciones religiosas que exigían música. La presencia de Bach se señala nada más entrar en al iglesia, dejan claro que ésta es la "otra" iglesia de Bach en Leipzig:

La Nikolaikirche está en una plaza muy agradable:

Ahora tiene este aspecto en la banda izquierda y fondo que se ve en el grabado anterior:

Y en el otro lado de la plaza, la iglesia:

La columna-palmera avisa de lo que vamos a encontrar en el interior.

En un antiguo plano en tres dimensiones de Leipzig podemos observar su situación:

De camino de la Thomaskirche nos encontramos con una placa que avisa del lugar en que se encontraba la casa de Clara Wieck, más tarde Clara Schumann, la legendaria pianista del siglo XIX y mujer de Robert Schumann

La presencia de la música en esta ciudad es muy patente. No solo es la ciudad de Bach, es la ciudad natal de Wagner, en ella vivieron Mendelssohn y Schumann y alberga la sede de la Gewandhaus:

Este auditorio de la Gewandhaus muy cercano a la Nikolaikirche es de una estética muy discutible según mi modesto parecer. Ante él se levantaba el monumento a Mendelssohnn que fue su director tanto tiempo y que elevó el nivel de la orquesta a la categoría que tiene hoy. Los nazis lo derribaron. Ahora, ese monumento está junto a la Thomaskirche. Si no os gusta este edificio, que ello no impida que os acerquéis a él y empujéis alguna de sus puertas (Son espectaculares por forma y mecanismo). En el interior hay un vestíbulo grande al que se puede acceder y una tienda de discos que es una maravilla.

En un espacio urbano enorme encontramos a ambos extremos la Gewandhaus y el Palacio de la Ópera. También de estética dudosa, pero de grandes dimensiones.

Las fotos son propias.

Puedes ver también la Thomaskirche.

Thyrsus me fecit

Las iglesias de Bach en Leipzig: 1 La Thomaskirche

En este grabado se aprecia la iglesia de Santo Tomás muy cerca del foso con agua de la muralla. Es la principal iglesia bachiana. Las iglesias de Bach en Leipzig siguen allí. Están muy restauradas pues durante la segunda guerra mundial esta ciudad sufrió severos bombardeos por parte de los americanos. 

Ved Leipzig en 1943:

Las iglesias que pueden visitarse actualmente son Santo Tomás y San Nicolás, o sea la Thomaskirche y la Nikolaikirche.  Bach estaba enterrado en una tumba casi anónima del cementerio de la iglesia de San Juan hasta 1894 en que fue descubierta y trasladada al interior. La Johanniskirche sufrió demasiada destrucción y la tumba de Bach está ahora junto al altar mayor de la Thomaskirche done fue trasladada en 1950.

La foto es mía, pero buscando esta vista en Google se observa que la lápida siempre tiene flores.
La iglesia de San Juan o Johanneskirche:

Hoy ya no hay nada, pero en 1951 de la iglesia que albergaba los restos de Bach todavía quedaba la torre:

La Thomaskirche
Bach llega a Leipzig en 1723 para hacerse cargo del puesto de Cantor en la Thomaskirche y allí permanecerá hasta su muerte en 1750. Tenía que hacerse cargo del coro del colegio de Santo Tomás y enseñar a los niños cantores música y latín. Debía componer música para la iglesia y para la de San Nicolás. Todas sus cantatas estaban destinadas a los oficios religiosos de estas iglesias. Allí, además, debía tocar el órgano y estar, casi casi, para lo que hiciera falta. Al llegar a Leipzig se le entregan las llaves del apartamento del Cantor y de su estudio: Veámoslos en una acuarela de Felix Mendelssohn:

De este paisaje casi no queda nada. El edificio grande en el centro albergaba la escuela, es decir la Thomasschule. El estudio de Bach se encontraba en las tres ventanitas que se ven sobre el arco que da entrada a la zona de la ciudad intramuros. El apartamento de la familia Bach se encontraba debajo, en la planta baja, y tenía unos 75 metros cuadrados. Tras el edificio se ve la altísima techumbre de la Thomaskirche y la torre. 

Actualmente el edificio de la Thomasschule ya no existe, lo cual es una pena, pero hay una placa en la pared indicando el lugar exacto. En ella se indica también que el edificio estuvo allí hasta 1902. Ahora está en el edificio junto a la iglesia que alberga la tienda de recuerdos bachianos: camisetas, tazas, pins, velas, posters y todo tipo de quincalla alusiva al Cantor. La placa está en lo que fue la fachada que no se ve en la acuarela anterior junto a la iglesia, pero que sí se ve en la imagen siguiente.
Aquí la otra vista citada con la escuela (Thomasschule) al fondo:

La perspectiva engaña un poco, la plaza no parece tan grande una vez se entra en ella. Es actualmente una plaza recoleta extremadamente agradable y acogedora con la estatua de Bach presidiéndola.

La iglesia de Santo Tomás es muy antigua. De principios del siglo XIII, aunque se han encontrado cimientos de cien años antes. Ha sufrido modificaciones importantes en en el siglo XIV y finales del XV. Desde entonces ha sufrido pocas modificaciones aunque sí una buena restauración después de la última guerra. En el año 2000 hubo muchas reparaciones y restauraciones y se puso el nuevo órgano del coro norte. Es el llamado Órgano Bach y es similar a los órganos de mediados del XVIII. Está inspirado en el órgano de la iglesia de la Universidad de San Pauli que Bach solía tocar en Leipzig. Ni que decir tiene que el órgano que tocaba Bach ya no existe. En la iglesia hay una pila bautismal con mucha historia. Es de principios del XVII y allí se han bautizado 12 hijos de Bach, Richard Wagner y Karl Liebknecht ejerciendo de padrinos los señores Marx y Engels. En su órgano han tocado Mozart y Mendelssohn.

En esta iglesia cargada de historia predicó Lutero en mayo de 1539 y durante la invasión napoleónica de 1806 fue polvorín. En 1813 durante la batalla de Leipzig o batalla de las Naciones fue hospital de campaña.

En 1723, nada más llegar al Puesto de Cantor en la Thomaskirche Bach estrena en ella su Magnificat (BWV243a), en 1727 y 1729 la Pasión según San Mateo (BWV 198), La Pasión según San Marcos en 1731 y múltiples cantatas.

No sólo Bach es importante en esta iglesia. También Mendelssohn estrena aquí muchas obras y es asiduo del órgano. En la foto se aprecia la "M" que recuerda su reciente bicentenario.

En la plaza donde estaba también la Thomasschule hay un monumento a Bach desde 1908. Es el Bachdenkmal ante el que se dan los conciertos llamados así: conciertos ante el Bachdenkmal.

También frente al órgano está la vidriera con la imagen de Bach:

Da que pensar la oposición que tuvo en épocas el Cantor de esta iglesia por parte de autoridades municipales o eclesiásticas. Siempre se le ocurre a uno imaginar la cara que pondrían al ver la omnipresencia de Bach en la iglesia, en la Nikolaikirche y en todo Leipzig.

Esta vidriera está en lado sur que da a la plaza de la Thomasschule, y justo en frente está el "Organo Bach":

En tiempos de Bach los instrumentistas y el coro se colocaban a ambos lados del órgano en la galería superior donde se encuentra. En este vídeo se narra la construcción del nuevo órgano:

Al fondo de la nave hay otro órgano para las ceremonias religiosas:

El otro coro al final de la nave es de características distintas. Es un órgano romántico de finales del XIX que también se ha restaurado recientemente.

La vinculación de Bach a este lugar es total. Por su puesto de Cantor es profesor en la escuela también. Parte de los alumnos forman el coro. El famoso Thomanenchor que es orgullo de la ciudad. Es probablemente el coro infantil más antiguo del mundo ya que sus orígenes son contemporáneos a su fundación entre los siglos XII y XIII.
Cuando llega Bach a Leipzig la Thomasschule tiene este aspecto:

El grabado es de 1723 cuando Bach llega al lugar. La casa era húmeda y decrépita, pero hasta 1730 no se arregla. Y el arreglo es a fondo añadiendo nuevos pisos y cambiando la fachada, por lo que la vida del pobre Cantor y de su familia tuvo que ser bastante incómoda durante años, primero con goteras y averías y luego con obras de envergadura que debieron durar lo suyo.

El edificio dónde estaba lo hemos visto arriba en grabados, pero también hay fotografías antiguas en que se puede ver su aspecto definitivo. Recordad: era la casa de Bach:

 

Para un edificio de la primera mitad del XVIII es de admirar por las proporciones. Leipzig era una ciudad bastante rica gracias al comercio y contaba con edificios impresionantes como éste. Lástima que ya no exista. Actualmente hay un museo en una casa de estilo pastiche pseudomedieval de construccion en el siglo XX:

En el enorme salón del ayuntamiento de Leipzig hay una maqueta que muestra la ciudad a finales del XVIII. Es enorme y detallada edificio por edificio. La zona de la iglesia con la Thomasschule se ve en el exágono rojo:

En la esquina superior derecha se ve en un exágono azul la Nikolaikirche.
El edificio donde se encuentra actualmente la Thomasschule fue destruido en un bombardeo en 1944, pero está reconstruido y tampoco está mal, tiene un aspecto mucho más escolar:

Karl Ferdinad Braun, premio nobel de física, fue profesor en la escuela. Y alumnos ilustres son los propios hijos de Bach y Richard Wagner.

Los niños del coro, llamados Thomaner son 92 y tienen entre 9 y 18 años. Están internos en el colegio y dedican muchas horas a la música. Cantan con frecuencia con la Gewandhaus de Leipzig y son de una calidad extraordinaria:

En la página web de la Thomaskirche hay infomación sobre conciertos.

Puedes ver ahora la Nikolaikirche

Las fotos modernas excepto la vidriera y la última de la Thomasschule son propias

Thyrsus me fecit