19º Seminario Vox Aurea 2013 con Fidel Calalang

Residencia de Estudiantes.

1 y 2 de junio de 2013

Traer a Fidel Calalang a este seminario ha sido un proceso largo y complejo, pero que finalmente se ha podido llevar a cabo para satisfacción de todos.

De nuevo, ha sido posible contar con las instalaciones de la Residencia de Estudiantes, lo cual es magnífico, especialmente cuando no se ha podido confirmar hasta pocas fechas antes del propio seminario. De hecho, durante varias semanas se estuvo buscando lugares alternativos. 

Las obras que el maestro Calalang proponía han ido llegando con bastante retraso respecto a años pasados, con lo que el trabajo de montaje ha sido realmente  a destajo. Gracias al buen hacer y mejor disposición de nuestro director de este año 2013 Rodrigo Guerrero todo ha salido bien. 

Porque esta es otra. Nuestro director, Nacho Rodríguez, se accidentó gravemente en diciembre y hubo que buscar quien le pudiera sustituir con todas las garantías. Rodrigo ha resultado un verdadero acierto y el coro sólo espera que esté tan contento con el grupo como el grupo con él.

El maestro Calalang conecta con el grupo de cursillistas desde el primer momento adaptándose al nivel musical de éste. Es presentado a todo el mundo por Luz, portavoz del coro (PortaVox) y comienza por ejercicios físicos y de entonación. Es muy didáctico y ofrece información sobre el lenguaje común que deben compartir coralistas y director. Ensaya ampliamente este lenguaje para comprobar la respuesta del coro.

El maestro habla en inglés que es traducido por Alejandro y Liz alternativamente. Está muy interesado en explicarlo todo y es ocurrente y cercano. Toca el piano extraordinariamente usándolo para ilustrar lo que explica mediante ejemplos. También tiene un gran dominio de la voz pudiendo cantar la línea  de cualquier voz en su propia tesitura. 

Las piezas son trabajadas con detalle durante todo el sábado y mañana del domingo. Por la tarde del domingo se mira todo el repertorio que va a ser cantado en público a partir de las ocho de la tarde. Algunas de las piezas llevan efectos acústicos o percusión de algún tipo que son ensayados metódicamente, aparte de cuestiones de imagen o efectos visuales.

El concierto es tan emocionante como siempre en esta maravillosa Residencia. El salón está lleno e incluso se llena otra sala grande más en el pabellón "Trasatlántico"que dispone de pantalla grande.

Notas al programa del concierto fin de seminario:

Intentar tener a Fidel Calalang hoy con nosotros ha sido un proyecto ambicioso en el que han colaborado varias personas convencidas del interés que la empresa presentaba. El coro Vox Aurea ha presentado en este escenario a autores y directores europeos y americanos de renombre  y prestigio. Este año era el momento de mirar en otra dirección.

En las remotas Islas Filipinas, de nostálgica aura hispana, hay escondida una potencia en música coral que era preciso conocer mejor de primera mano. En relativamente pocas décadas, este país ha alcanzado cotas de excelencia en esta música. Por ello hoy se presenta la ocasión ineludible para honrarnos con la presencia de esta música entre nosotros con este conspicuo representante que es el maestro Calalang.

Los compositores filipinos de la primera mitad del siglo XX no muestran interés por la música vocal. Sin embargo, hay un giro importante en la segunda mitad, donde autores como José Maceda, Lucrecia Kasilag, Rosalina Abejo, Jerry Amper Dadag, Ruben R. Federizon, Eliseo Pájaro, Bayani Mendoza de Leon etc. han trabajado la voz, han innovado en armonías y en mezclar la tradición musical filipina, que es de gran riqueza, con la música de corte occidental.

Calalang ha seleccionado un conjunto de obras para trabajar en el seminario de Vox Aurea que supone grandes novedades. Los autores que hoy no son frecuentes en los coros españoles, por no decir casi desconocidos. Por ello, ha supuesto una oportunidad para el aprendizaje y para abrir nuevos horizontes musicales a cantores y público. Con el programa que hoy se ofrece, el maestro Calalang introduce autores americanos poco frecuentados por los coros españoles, dando muestra del profundo conocimiento de la música coral americana actual con la que tiene tanto contacto. Hay música contemporánea americana más allá de Whitacre y Lauridsen, autores que Vox Aurea ya ha trabajado en estos seminarios de la Residencia de Estudiantes. Sirvan pues estas nuevas propuestas para seguir investigando y encontrando nuevas fuentes musicales.

Rosephanye Powell es una de las principales compositoras americanas del momento. Natural de Alabama, ha alcanzado niveles más que notables en el canto, el saxo y la composición coral. Como representante de la cultura afroamericana del sur de Estados Unidos ha vivido intensamente desde niña la tradición del Gospel y el Spiritual.

Guy Forbes es un importante director de coros y compositor americano que desde 1995 funda y dirige con gran éxito la Millikin Chamber Chorale que convierte en una de las agrupaciones corales universitarias más potentes de los estados Unidos. Es autor de un importante catálogo de obras corales, con importante carga de música sacra. Su obra O Nata Lux consigue el premio de composición coral Vanguard Voices Premieres en 2006.

Leroy Anderson es un compositor americano de música ligera muy relacionado con la Boston Pops Orchestra. Su Syncopated Clock es una obra de 1945 que el autor emprende mientras sirve en el ejército en Washington. La versión más conocida es la Percy Faith de 1951. La melodía es inmediatamente reconocida por todos los públicos, como lo es su cómica “Máquina de escribir”. la versión corales del propio Fidel Calalang.

Nicholas White es un compositor londinense que se forma en su Inglaterra natal adquiriendo una sólida formación como coralista contralto. Lleva más de veinte años desarrollando una importante labor como compositor, organista y cantante en los Estados Unidos. En 2003 funda el Tiffany Consort con ocho cantantes y cuyo primer CD “O magnum Mysterium” fue nominado para un premio Grammy.

Fidel Calalang gusta de trabajar éxitos pop arreglándolos para coros. Ya decía Lutero que no todas las buenas melodías habían de ser para el diablo cuando se le acusaba de tendencias profanas al utilizar melodías populares para corales religiosos. En esta ocasión nos trae un arreglo suyo de una melodía de Elton John y otra arreglada por Ryan Cayabyab del Let it be de The Beatles.

Repertorio.

Non Nobis, Domine. Rosephanye Powell 

Non nobis, non nobis, Domine
No a nosotros, no a nosotros, Señor
Sed nomini tuo da gloriam
Sino a Tu nombre sea la Gloria


O Nata Lux. Guy Forbes O nata lux de lumine, 
Oh luz nacida de la luz,
Jesu redemptor saeculi, 
Jesús redentor de los siglos
dignare clemens supplicum 
misericordiosamente considera dignas
laudes preces que sumere. 
y acepta las alabanzas y oraciones de tus suplicantes.
Qui carne quondam contegi 
Tú que una vez te dignaste a revestirte de carnedignatus es pro perditis. 
por el bien de los perdidos
Nos membra confer effici, 
concédenos ser miembros
tui beati corporis.
de tu sagrado cuerpo.


O Magnum Mysterium. Nicholas White

O magnum mysterium,¡Oh gran misterio,
et admirabile sacramentum,
y admirable sacramento,
ut animalia viderent Dominum natum,
que los animales hayan visto al Señor nacido,
jacentem in praesepio!
acostado en un pesebre!
Beata Virgo, cujus viscera
Bienaventurada Virgen, cuyo vientre
meruerunt portare
mereció llevar
Dominum Christum.
a Cristo el Señor.
Alleluia.
Aleluya.


Let It Be. Lennon - McCartney


When i find myself in times of trouble, Cuando me encuentro en momentos difíciles,
mother mary comes to me 
la Virgen María se me aparece,
speaking words of wisdom, let it be 
diciendo palabras sabias, déjalo estar.
And in my hour of darkness 
Y en mi hora de oscuridad,she is standing right in front of me 
está se queda justo delante de mí,
speaking words of wisdom, let it be 
diciendo palabras sabias, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, let it be 
Déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,
whisper words of wisdom, let it be 
susurras palabras sabias, déjalo estar.
And when the broken hearted people 
Y cuando las personas con el corazón roto,
living in the world agree 
que viven en el mundo estén de acuerdo,
there will be an answer, let it be 
habrá una respuesta, déjalo estar.
for though they may be parted, 
Para pensar pueden estar separados,
there is still a chance that they will see 
aún hay una oportunidad de que lo entiendan,
there will be an answer, let it be 
habrá una respuesta, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, let it be 
déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,
there will be an answer, let it be 
sí, habrá una respueta, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, let it be 
déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,
whisper words of wisdom, let it be 
susurras palabras sabias, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, let it be 
déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,
whisper words of wisdom, let it be 
susurras palabras sabias, déjalo estar.
And when the night is cloudy
Y cuando la noche está nublada,
there is still a light that shines on me 
todavía hay una luz, que brilla sobre mí,
shine until tomorrow, let it be 
brilla hasta mañana, déjalo estar.
I wake up to the sound of music, 
Me despierto con el sonido de la música,
mother mary comforts me 
la Virgen María se me aparece,
speaking words of wisdom, let it be 
diciendo palabras sabias, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, yeah, let it be 
déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,
there will be an answer, let it be 
habrá una respueta, déjalo estar.
let it be, let it be, let it be, yeah, let it be 
déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar, déjalo estar,whisper words of wisdom, let it be
susurras palabras sabias, déjalo estar.


Circle of Life, Elton JhonFrom the day we arrive on the planet 
Desde el día que llegamos al planeta
And blinking, step into the sun Y parpadeando, salimos al sol,
There's more to see than can ever be seen 
Hay más para ver de lo que se puede llegar a ver
More to do than can ever be done 
Más para hacer de lo que se puede llegar a hacer

There's far too much to take in here Hay demasiado para comprender aqui
More to find than can ever be found 
Más para encontrar de lo que se puede llegar a encontrar
But the sun rolling high 
Pero el sol rodando en lo alto
Through the sapphire sky 
A través del cierlo azul zafiro
Keeps great and small on the endless round 
Mantiene a grandes y pequeños en la rueda sin fin


It's the circle of life Es el círculo de vida
And it moves us all 
Y nos mueve a todos
Through despair and hope 
A través de la desesperación y la esperanza
Through faith and love A través de la fe y el amor
Till we find our place 
Hasta que encontramos nuestro lugar
On the path unwinding 
En el camino que se va abriendo
In the circle 
En el círculo
The circle of life 
El círculo de vida
It's the circle of life Es el círculo de vida


And it moves us all Y nos mueve a todos
Through despair and hope 
A través de la desesperación y la esperanzaThrough faith and love 
A través de la fe y el amor
Till we find our place 
Hasta que encontramos nuestro lugar
On the path unwinding 
En el camino que se va abriendo
In the circle 
En el círculo
The circle of life
El círculo de vida

Como bises se cantaron dos canciones filipinas. La primera Dahil sa iyo de M. Velarde y  D.Santiago, como sorpresa para el maestro. El coro Vox Aurea la traía preparada Y por fin Hua-ay, canción popular filipina en arreglo de F. Obispo.

18º Seminario Vox Aurea 2012 con Nacho Rodríguez

En el último fin de semana de octubre de 2012 se ha celebrado, como siempre en la Residencia de Estudiantes de Madrid, el último seminario de este coro Vox Aurea que está abierto a todo aficionado al mundo coral.

Este año se ha dedicado a los autores Monteverdi y Schütz. Madrigales y motetes de dos autores que marcan la transición del Renacimiento al Barroco. Nacho Rodríguez domina este repertorio y la ocasión no podía desperdiciarse. El seminario de este año ha sufrido sus vicisitudes pues estaba previsto en las fechas habituales de mayo o junio y el invitado iba a haber sido Fidel Calalang, gran director filipino. pero la agenda de este maestro impidió un arreglo final. Al cambiar de planes el coro y su director Nacho Rodríguez se ponen de acuerdo en trabajar a estos autores. 

Como de costumbre he escrito el programa de mano que la Residencia se encarga de editar e imprimir. Ha sido un trabajo muy interesante para alguien como un servidor de ustedes que siempre estuvo muy atraído por este periodo de la historia de la música. Las traducciones de las letras son propias.

Montevrdi y Schütz son personalidades muy distintas, pero muy atrayentes, que viven en escenarios fascinantes y que son genios de la música. Como señaló Nacho en la presentación del concierto final de seminario al público que abarrotaba el salón, Monteverdi es un autor muy recurrente en la vida musical española, no así Schütz, a pesar de ser un autor fundamental. Por eso el coro Vox Aurea se siente muy satisfecho por difundir esta música maravillosa de Schütz.

Notas al programa:

D’ambrosia e di nettare si pasce.

El arte musical lleva más de cien años debatiendo sobre sus categorías estéticas, su relación con la tradición, la relación entre artistas y público etc. Y ahí seguimos. De vez en cuando, el largo transcurso de un arte como la música vive momentos de cambio. Por eso hay autores que además de mostrar un gran genio nos guían en encrucijadas que señalan por dónde irán las coordenadas estéticas en los tiempos por venir. En la música, hay grandes genios que no muestran este camino, véanse los casos de Bach o Brahms, pero otros sí y los que vamos a oír esta tarde pertenecen a esta categoría de genio-guía junto a otros que podrían ser, por ejemplo, Beethoven, Wagner o Debussy.

Claudio Monteverdi y Heinrich Schütz se encuentran en ese punto clave en que se va desdibujando el arte musical renacentista y entreasoma el barroco. Italia y Alemania abren una nueva época en música donde ellos y los franceses desarrollarán estilos definidos de gran influencia y poder.

Ambos autores son fundamentales en la música vocal y coral pues a ella se dedicaron con todo su arte y pasión desde niños pues ambos aprendieron música cantando en coros infantiles. Han trabajado la música vocal en muchos su órdenes y variantes. Incluso, por ejemplo, coinciden en escribir las primeras óperas, aunque sólo nos han llegado algunas pocas de Monteverdi. Vamos a escuchar hoy música profana, madrigales, de Monteverdi y música sacra, motetes, de Schütz. Sólo asomará la cabeza un maestro una generación anterior, Luca Marenzio, el gran madrigalista italiano en su calidad de maestro inspirador de Monteverdi.

Claudio Monteverdi. (Cremona 1567 – Venezia 1643):

La bocca onde l’asprissime parole (2º libro di madrigali 1590)
A un giro sol de’begl’occhi (4º libro de madrigali 1603)
Sì, ch’io vorrei morire (4º libro de madrigali 1603) 

Monteverdi es muchas cosas en la historia de la música como es archisabido. Aquí rendimos homenaje al gran madrigalista en obras polifónicas en las que fue un maestro indiscutible. Estas pequeñas piezas que llamamos madrigales son canciones con texto profano, normalmente de los más laureados poetas, que se cantan a cinco voces según el canon renacentista llamado entonces prima prattica. La seconda correspondería a la monodia acompañada típica del barroco y de la que Monteverdi es pionero. Pero eso se produce a partir de su quinto libro de madrigales y hoy, en este concierto, no pasaremos del cuarto.

La bocca onde l’asprissime parole es una miniatura de tema amoroso donde el amante sugiere un cambio feliz en la actitud de su amante hacia él. El lenguaje otrora hiriente se vuelve dulce y fuente de toda delicia. Obra de joven músico de poco más de veinte años que se fija en estos versos de Enzo Bentivoglio, poeta contemporáneo de corte e inspiración caballeresca.

La bocca onde l’asprissime parole
solean uscir ch’ir mi facean dolente
vie più di quante mai fur sotto il sole,
or nutre l’alma mia soavemente
d’odor di fresche rose e di viole,
cui cede ogn'altro che l’Arabia sente,
e d’ambrosia e di nettare si pasce,
ché tra le perle e i bei rubini nasce.

Las más ásperas palabras
que podrían existir bajo el sol,
y que solían salir de tu boca haciéndome penar
ahora nutren con suavidad mi alma
con los aromas de rosas y violetas
mejores que las esencias de Arabia.
Pues se alimenta de ambrosía y néctar
que entre perlas y bellos rubíes nace

A un giro sol de’begl’occhi es un poema de Giovanni Battista Guarini que pasa por ser el poeta que más ha sido musicado por sus contemporáneos de finales del renacimiento y primer barroco, por lo que no podía faltar aquí. En este madrigal amoroso, que habla de las penas y afanes amorosos, se puede escuchar un recurso muy de la época que consiste en pintar con las palabras. Es el concepto renacentista de “representación”, de subordinar la música al texto dotando de significado a notas, o conjunto de notas para reforzar el significado con sonidos alusivos. Así cuando se menciona al aire suena el viento y cuando aparece la palabra “mar” las notas suben y bajan como las olas. Este recurso suele denominarse como “figuralismo”.

A un giro sol de begl’occhi lucenti
Ride l’aria d’intorno,
E’l mar s’acqueta, Ei venti.
E si fa il ciel d’un altro lume adorno.
Sol io le luci ho lagrimose e meste
Certo quando nasceste cosi crudele e ria
Nacque la morte mia.

Con un sólo giro de sus bellos y luminosos ojos
Ríe el aire de alrededor
Y el mar y los vientos se sosiegan,
Y el cielo se ilumina con otra luz.
Solo yo tengo los ojos húmedos y tristes.
En verdad, cuando naciste así, tan cruel y malvada,
nació mi muerte.

Sì, ch’io vorrei morire, texto de Maurizio Moro, poeta del círculo literario de Ferrara como Guarini y Bentivoglio. De nuevo se recure al figuralismo en este madrigal sobre un poema de Eros y Thanatos, donde el rapto amoroso es tan potente que lleva al amante a desear la muerte.


Sì, ch’io vorrei morire
ora ch’io bacio, Amore,
la bella bocca del mio amato core.
Ahi, cara e dolce lingua,
datemi tanto umore
che di dolcezz’ in questo sen m’estingua.
Ahi, vita mia, a questo bianco seno,
deh, stringetemi fin ch’io venga meno.
Ahi bocca, ahi baci, ahi lingua, i’ torn’ a dire:
«Sì, ch’io vorrei morire».

Sí, que yo querría morir,
mientras beso, Amor,
la bella boca de mi amada.
Ay, cara y dulce lengua,
dame tanto de tu licor
que pueda fundirme de dulzura en tu regazo.
Ay, vida mía, contra este blanco seno,
ay, estréchame hasta que me desvanezca.
Ay boca, ay beso, ay lengua, vuelvo a decir:
«Sí, que quisiera morir».


Heinrich Schütz, (Köstricht 1585 – Dresde 1672):

Die mit Tränen säen werden mit Freuden ernten (Geistliche Chor-Musik 1648) SWV378
So Fahr ich hin zu Jesu Christ (Geistliche Chor-Musik 1648) SWV379
Cantate Domino canticum novum (Psalmo 149, 1-3. Cantiones sacrae 1625) SWV81 

De Venecia a Dresde. De la más bella ciudad del norte de Italia vamos a la más bella ciudad del sur de Alemania. Schütz da la réplica a Monteverdi en nuestro concierto. Si el italiano es un representante de un renacimiento profano y un tanto venal, Schütz encarna al mundo alemán de entonces, más espiritual y religioso. Sabemos que estuvo estudiando con Gabrieli en Venecia cuando Monteverdi ya vivía y trabajaba allí. Hay quien da por seguro que llegaran a incluso a conocerse personalmente. Schütz imprimirá a su austera obra religiosa posterior un cierto aroma veneciano fruto de su época de estudiante.

Como Monteverdi comienza su carrera con un libro de madrigales y, como él, escribe la primera opera alemana “Daphne” que se ha perdido, como el italiano es un maestro especialmente hábil en vestir el pathos de los textos con música especialmente conveniente desde el punto de vista de los afectos. Sin embargo, a pesar de estas similitudes son autores con grandes diferencias. Si bien ambos fueron cantores en su juventud, Monteverdi era violista y Schütz organista. Esto concuerda con que Monteverdi está más inclinado hacia los salones y Schütz más escorado al templo. Es un autor básicamente de música sacra.

Por ello, las obras que hoy nos ofrecen Vox Aurea y su director Nacho Rodríguez de Schütz tienen este carácter religioso.

Die mit Tränen säen werden mit Freuden ernten, texto de la biblia de Lutero que corresponde al Salmo 126.5: Los que en lágrimas siembran, recogerán entre gritos de alegría, que siglos después usará Brahms para su Requiem alemán. . Se trata de un motete publicado en 1648, cuando ya Schütz es un gran maestro de 63 años. De nuevo aparece el dominio de pintar con música el texto. El contraste entre las lágrimas y la alegría recibe su tratamiento musical con un efecto magnífico.

Die mit Tränen säen, werden mit Freuden ernten.
Sie gehen hin und weinen und tragen edlen Samen
und kommen mit Freuden und bringen ihre Garben.

Los que siembran con lágrimas,

recogerán entre gritos de alegría.
Se fueron y lloran,
llevando la noble simiente,
y retornan con júbilo,
y traen sus gavillas.

So Fahr ich hin zu Jesu Christ (Así me encamino hacia Jesucristo), también de 1648 corresponde al himno de Nikolaus Hermann de 1575 Wenn mein Stündlein vorhanden ist. Comienza con un recurso muy del autor. Para “pintar” esta sensación de movimiento que imprime el texto usa una “fuga inversa” en la que sopranos 1, altos y bajos comienzan con una serie de notas ascendentes comenzando con un la y las sopranos 2 y tenores arrancan con una serie descendente comenzando por la misma nota y luego se van alternando con este dibujo.

So fahr ich hin zu Jesu Christ,
mein Arm tu ich ausstrecken,
so schlaf ich ein und ruhe fein,
kein Mensch kann mich aufwecken,
denn Jesus Christus, Gottes Sohn,
der wird die Himmelstür auftun,
mich führen zum ewigen Leben.


Así me encamino hacia Jesucristo,
extiendo el brazo,
caigo dormido y descanso profundamente.
Nadie puede despertarme
si no es para Jesucristo, Hijo de Dios,
que abrirá las puertas del cielo
y me conducirá a la vida eterna.

Cantate Domino canticum novum corresponde a una época en que Schütz sufre varias desgracias como son la muerte de su cuñada Ana María y de su mujer Magdalena. Sin embargo no es un canto de tristeza o desesperanza, sino todo lo contrario: Es un canto de alabanza donde se invita a la alegría, al canto y al baile. De nuevo la música acompaña la letra para comunicar mejor los afectos de este Salmo 149 tantas veces puesto en música y donde se menciona al coro: “Laudent nomen eius in tympano et choro”. Esta frase hace reflexionar a San Agustín: “¿Qué es lo que constituye un coro? (...) El coro es un conjunto de personas que cantan juntas. Si cantamos en coro debemos cantar con armonía. Cuando se canta en coro, incluso una sola voz desafinada molesta al que oye y crea confusión en el coro mismo”.

Cantate Domino canticum novum;
laus ejus in ecclesia sanctorum.
Laetetur Israel in eo qui fecit eum,
et filiae Syon
exultent in rege suo.
Laudent nomen ejus
in tympano et choro:
in psalterio psalant ei.

Cantad al Señor un cántico nuevo
resuene su alabanza en la comunión de los santos
Regocígese Israel en su hacedor
gócense en su Rey los hijos de Sion
Alaben su nombre con danzas;
salmodien al son del tambor y de la lira.

Luca Marenzio. (Coccaglio 1553 – Roma1599):

Dissi a l’amata e mia lucida stella (Madrigali a quatro voci, Libro primo, Roma, 1585) 

Compositor del renacimiento tardío, personifica la fase inmediatamente anterior a Monteverdi y Schütz que son autores y agentes del cambio estético entre dos grandes épocas de la música occidental. Es uno de los grandes madrigalistas de la época. Fue famoso y admirado dentro y fuera de Italia. Autores tan importantes como Thomas Morley y Thomas Weelkes le tenían en mucha estima. Su influencia fue por tanto muy grande en la época.

Dissi a l’amata e mia lucida stella es uno de los madrigales más conocidos de este autor. El texto es de G. B. Moscaglia, un compositor y poeta amigo de Marenzio de cuando vivía en Roma. Marenzio no desdeña la técnica del figuralismo y la usa también en este madrigal cuya aparición coincide en el tiempo con el nacimiento de Schütz.

Dissi a l’amata mia lucida stella,
che più d’ogn’altra luce
et al mio cor adduce
fiamme, strali e catene,
ch’ogn’hor mi danno pene:
«Deh morirò, cor mio» –
«Sì, morirai, ma non per mio desio.»

Dije a mi amada y brillante estrella,
que refulge más que ninguna
y que a mi corazón arroja
llamas, saetas y cadenas
causándome penas sin cesar:
«¡Ay, moriré, corazón mio!» –
«¡Sí que morirás, pero no por mi deseo!»

Alimentémonos pues, esta tarde de ambrosía y néctar musicales servidos por Vox Aurea, cursillistas y Nacho Rodríguez en esta Residencia de Estudiantes. Que nutran la sensibilidad de todos y su efecto sea de lo más balsámico.

17º Seminario Vox Aurea 2011 con Vytautas Miškinis

Es un auténtico privilegio contar con uno de los autores de música coral más importantes de Europa. El maestro Vytautas Miškinis se presentó ante nosotros con muy buen humor y muchas ganas de comunicar. Se le notaba a gusto entre nosotros y nos trajo un tríptico con poemas de Tagore para estrenar en el concierto del seminario.

La música coral báltica es especialmente interesante. La tradición coral de esos países es muy rica. Mucho más que la nuestra, por eso si hay que buscar maestros de los que aprender, pocos sitios hay tan buenos como los países ribereños del mar Báltico.

PROGRAMA:

• Vytautas Miškinis: Gloria 
• Vytautas Miškinis: Sanctus 
• Edward Elgar (1857-1934): Deep in my soul 
• Eric Whitacre (1970): Sleep 
• Morten Lauridsen (1943): O Nata Lux 
• Vytautas Miškinis: O salutaris hostia 
• Vytautas Miškinis: Three sights to baby. Estreno absoluto

                       I. The sleep
                       II. The smile
                       III. The sweet

NOTAS AL PROGRAMA:

La cita de este año de la Residencia de Estudiantes con este seminario de música coral enlaza de nuevo con el lejano Báltico. Los entendidos saben a estas alturas que alrededor de sus frías aguas se ha ido fraguando una de las culturas corales más ricas que encontrarse puedan. En este sentido, recordamos como en 2005, en ocasión como ésta, el coro Vox Aurea contó con la profesora sueca Helen Larsson. Autores bálticos como Sisask, Eriksson, Jennefelt, Kverno, Mellnäs, Nysted, Olsson, Rautavaara y Wikander han ido sonando en esta sala y dan fe del peso que tiene esta cultura coral en el mundo. Hoy tendremos dirigiendo este concierto al maestro Vytautas Miškinis (Vilnius, 1954), que nos llega desde Lituania para darnos a conocer más profundamente su extraordinario universo musical.

Su música no es nueva en este escenario. Ya sonó en los conciertos fin de seminario de 2004, 2007 y 2008. No podía ser de otra manera porque estamos ante un maestro fundamental para entender la música coral de este último cambio de siglo. Autor cosmopolita con una obra extensa, se ha dedicado a la música religiosa usando el latín de los himnos y preces tradicionales en más de cien motetes y treinta misas, aparte de tres centenas de piezas profanas. Sin renunciar a ningún tipo de recurso sonoro, utiliza muy imaginativamente ritmos y armonías muy sugerentes, aunque dentro de los límites tonales que han ido conformando una obra con ambición de ser entendida y apreciada por el público aficionado.

El coro Vox Aurea quiere comenzar el concierto con dos obras de este músico con el que ha tenido el placer de trabajar durante este fin de semana, y así empieza el concierto, con dos muestras de su música religiosa, para pasar después a las obras que se han estudiado a fondo durante el seminario. El propio Miškinis nos ofrece hoy un repertorio de gran interés. Por un lado, nos regala un trío de canciones sobre textos de Tagore para ser estrenado en este encuentro con cantores y público españoles. Por otro, nos trae obras de autores que le son especialmente queridos y de otros que le son afines por diversas razones, pero que, en todo caso, son colegas suyos en estos tiempos tan interesantes para el mundo coral internacional.

Vytautas Miškinis: Gloria

Gloria in excelsis Deo et in terra

pax hominibus bonae voluntatis

Laudamus te

Benedicimus te

Adoramus te

Glorificamus te

Gratias agimus tibi propter

magnam gloriam tuam

Domine Deus

Rex coelestis

Deus Pater omnipotens

Domine Fili unigenite Jesu Christe

Domine Deus Agnus Dei

Filius Patris

qui tollis peccata mundi

miserere nobis

suscipe deprecationem nostram

Qui sedes ad dexteram Patris

miserere nobis

Quoniam tu solus Sanctus

Tu solus Dominus.

Este himno se canta o se recita en voz alta los domingos fuera de los tiempos de Adviento y de Cuaresma, y en diversas solemnidades y fiestas.

El primer papa que lo introduce en la Liturgia fue el papa Telesforo (128-139?). Papa mártir sacrificado en tiempos de Adriano o Trajano. Este pontífice lo incluye en el Ordinario de la fiesta de Navidad y, tres siglos después, el papa Símaco (498-514) lo generaliza para todas las celebraciones dominicales.

En este himno se expresan deseos, además de sumisión, admiración, alegría y se recitan los rasgos principales del Ser Supremo según la doctrina cristiana. Toda esta compleja mezcla no se expresa musicalmente de manera simple. La pieza va mudando, de forma ejemplar, de ritmo y de expresión según el texto lo demanda.

Vytautas Miškinis: Sanctus

Sanctus, Sanctus, Sanctus,

Dominus Deus, Sabaoth.

Pleni sunt coeli et terra gloria tua.

Hosanna in excelsis.

Benedictus qui venit in nomine Domini

Hosanna in excelsis.

El Sanctus es una parte del Ordinario de la misa católica, y se canta o recita para concluir el Prefacio. No es exclusivo de los ritos católicos, puesto que la iglesia ortodoxa y no pocas protestantes también lo usan con pequeñas variantes. Es un himno en honor de la Santísima Trinidad, por eso la palabra «Sanctus» se repite tres veces al principio.

Miškinis divide la pieza en dos partes. La primera, donde se alaba la santidad del Señor de los ejércitos, se presenta un contraste entre las voces femeninas, homofónicas y rítmicas y las voces masculinas, no menos rítmicas, pero con un carácter imitativo, una especie de canon. En la segunda parte, desde el «Hossanna», son las cuatro voces las que conforman un nuevo canon.

Edward Elgar (1857-1934): Deep in my soul

Poema original de Lord Byron (1788-1824)

Deep in my soul that tender secret dwells,

Lonely and lost to light for evermore,

Save when to thine my heart responsive swells,

Then trembles into silence as before.

There, in its centre, a sepulchral lamp

Burns the slow flame, eternal but unseen;

Which not the darkness of Despair can damp,

Though vain its ray as it had never been.

En lo profundo de mi alma

En lo profundo de mi alma reside ese tierno secreto,

Solitario y perdido para la luz eternamente;

Salvo cuando mi corazón, sensible al tuyo, se inflama,

Para estremecerse y caer en el silencio como antes.

Ahí, en su centro, una lámpara sepulcral

Consume la lenta llama, eterna, pero oculta,

Y que ni la oscuridad de la desesperación puede apagar

Por leve e inútil que su rayo sea.

       

Traducción de Alicia Cogolludo.

Edward Elgar representa en la música inglesa un renacimiento extraordinario, pues tras el paréntesis musical victoriano sin figuras de primera fila, se produce una potente eclosión de autores de los cuales Elgar es el pionero. Tras él vienen Vaughan Williams, Walton, Holst, Tippett, Britten, Ireland, etc. Una auténtica edad dorada para la música inglesa. En este nuevo siglo musical inglés, que comienza en la época eduardiana, la música coral ocupa un lugar de privilegio que da unos frutos apreciadísimos por directores y cantores de los últimos cien años.

El poema elegido por Elgar está extraído de uno de los más influyentes libros de poemas de la literatura inglesa, nada menos que El Corsario de Lord Byron. Poema romántico en el que el genio de este gran poeta universal consigue un tono introspectivo e intimista, aunque eso sí, usando grandes palabras como desesperación, estremecimiento, fuego, rayo...

La música de Elgar debe responder al clima íntimo y profundo sin caer en la tentación de efectismos que siempre son peligrosos en la poesía romántica. El resultado es de una gran belleza. La música es propia de la maestría de Elgar y acompaña al texto de forma admirable, potenciando su belleza y su mensaje.

Eric Whitacre (1970): Sleep

Sobre el poema homónimo de Charles Anthony Silvestri (1965) escrito para esta pieza.

The evening hangs beneath the moon

A silver thread on darkened dune

With closing eyes and resting head

I know that sleep is coming soon.

Upon my pillow, safe in bed

A thousand pictures fill my head

I cannot sleep, my mind’s a-flight

And yet my limbs seem made of lead.

If there are noises in the night

A frightening shadow, flickering light

Then I surrender unto sleep

Where clouds of dream give second sight.

What dreams may come, both dark and deep

Of flying wings and soaring leap

As I surrender unto sleep,

As I surrender unto sleep.

SUEÑO

La noche se cierne bajo la luna

Un hilo plateado sobre la duna en sombras

Los ojos cerrados, la cabeza descansada,

Sé que el sueño va a venir pronto.

Sobre la almohada, a salvo en la cama

Miles de imágenes pueblan mi cabeza

No puedo dormir, mi mente vuela

Y sin embargo mis extremidades parecen de plomo.

Si hay ruidos en la noche

Una sombra aterradora, una luz vacilante

Entonces me entrego al sueño

En donde las nubes de los sueños otorgan clarividencia.

Los sueños que vengan, oscuros y profundos

De alas que vuelan y salto vertiginoso

Según me entrego al sueño

Según me entrego al sueño.

          Traducción de Alicia Cogolludo.

Eric Whitacre es un autor del siglo xxi en todos los sentidos. Tiene un gran talento, viaja para dirigir su música a los más dispares lugares del globo, cuida más de su atildado y juvenil aspecto que una estrella de cine, mantiene una actividad frenética en YouTube, Facebook y Twitter, compone para coros o para películas comerciales de éxito, es popular y sofisticado y puede combinar espectacularidad y delicadeza como un gran maestro. Es, en definitiva, todo un personaje.

Whitacre recurre a su habitual colaborador el poeta Charles Anthony Silvestri para esta pieza, como ya hizo con Lux Aurumque que interpretó Vox Aurea en este salón en 2006 bajo la dirección de Josep Vila.

Esta partitura arropaba originalmente un poema de Robert Frost (1864-1973) llamado Stopping by Woods on a Snowy Evening. Problemas con los derechos de autor, que impedían la interpretación pública, amenazaban con condenar la pieza al silencio, por lo que Silvestri acudió al rescate de Whitacre y le escribió esta letra admirable. Por eso, en este concierto es la pieza rara. No se trata aquí de un músico que compone melodías para un poema o himno tal y como estamos acostumbrados, sino al revés: lo que tenemos aquí es un poeta que imagina el texto idóneo para una música, en realidad es Silvestri el artesano de las palabras, el que remata la obra.

Morten Lauridsen (1943): O Nata Lux

O nata lux de lumine,

Jesu redemptor saeculi,

dignare clemens supplicum

laudes preces que sumere.

O nata lux de lumine.

O luz nacida de la luz

Jesús, redentor de los siglos.

Dígnate por misericordia a

aceptar las súplicas y oraciones

de los que te imploran.

O luz nacida de la luz.

En el mundo clásico norteamericano actual pocos autores pueden mostrar tantos premios, reconocimientos, Grammys, etc. como Morten Lauridsen. Este hijo de emigrantes daneses y persona espiritual con tendencia a un cierto misticismo nos transmite siempre sensaciones de paz y profundidad. Se dedica a la música desde niño y, tras años de dudas, decide finalmente centrarse en la composición. Actualmente es profesor de esta disciplina en la Thornton School of Music de la Universidad del Sur de California.

En su música religiosa se mantiene siempre dentro de límites tonales y se vuelve mucho más experimental en el ámbito profano, cuando pone música a poemas de sus autores favoritos entre los que cuenta a García Lorca. Aunque no se considera poeta, sí cree que sus composiciones son muy poéticas. Con su música intenta alcanzar su ideal artístico. Son sus palabras:

Creo que el propósito de cualquier arte es dejarnos algo elegante que enriquezca nuestro espíritu, nos toque el corazón, ponga a prueba nuestro intelecto y mejore la condición humana.

O nata Lux es un himno litúrgico que tiene su origen en el siglo x y que se canta en el oficio de Laudes en la mañana de la fiesta de la Transfiguración. Once siglos después, Lauridsen lo transforma en una de las tres partituras más vendidas de la editorial Theodore Presser Co. desde 1783, las otras dos también son suyas.

Vytautas Miškinis: O salutaris hostia

Sobre texto de Tomás de Aquino (1225-1274)

O salutaris hostia,

Quæ caeli pandis ostium,

Bella premunt hostilia;

Da robur, fer auxilium.

Oh salvadora hostia,

Que abres la puerta del cielo,

Guerras implacables (nos) oprimen:

Da(nos) fuerza, danos auxilio.

El siglo xiii ve el nacimiento de la fiesta del Corpus Christi. Por entonces, el papa Urbano IV decide que esta nueva fiesta debe contar con su propia liturgia y encarga al Aquinate cinco himnos para este fin. Uno de ellos es el denominado Verbum Supernum Prodiens que se destina a las plegarias de Laudes. La penúltima estrofa de este himno es la que comienza con este «O salutaris Hostia» que se ha venido utilizando también para el momento en que el sacerdote eleva la Sagrada Forma en el momento de la consagración.

Miškinis, más que plegarse a la intención y propósito originales del texto, intenta describir musicalmente la situación que se produce en el templo desde el punto de vista de los fieles que asisten al rito. Por un lado está la oración individual de cada creyente que quiere comunicarse directamente con Dios. La suma de todas estas plegarias llega al Ser Supremo de forma que sólo por su carácter de Ser Todopoderoso es capaz de atender a todos. Por otro lado, en el templo se produce el rezo comunitario, muchas veces cantado, que puede llevar a cabo una comunidad religiosa cualquiera. Ambas formas de relación con la Divinidad se combinan en esta especie de especulación filosófica musical sobre las formas en que el hombre se comunica con Dios y que Miškinis propone para nuestra consideración.

Vytautas Miškinis: Three sights to baby. Estreno absoluto

I. The sleep

II. The smile

III. The sweet

Versos pertenecientes a la Ofrenda de canciones o Gitanjali de Rabindranath Tagore

THE sleep that flits on baby’s eyes does

anybody know from where it comes? Yes,

there is a rumour that it has its dwelling

where, in the fairy village among shadows

of the forest dimly lit with glow worms,

there hang two timid buds of enchantment.

From there it comes to kiss baby’s eyes.

THE smile that flickers on baby’s lips

when he sleeps does anybody know where

it was born? Yes, there is a rumour that a

young pale beam of a crescent moon touched

the edge of a vanishing autumn cloud, and

there the smile was first born in the dream

of a dew washed morning the smile that

flickers on baby’s lips when he sleeps.

THE sweet, soft freshness that blooms on

baby’s limbs does anybody know where

it was hidden so long? Yes, when the mother

was a young girl it lay pervading her heart

in tender and silent mystery of love the

sweet, soft freshness that has bloomed on

baby’s limbs.

¿Sabe alguien de dónde viene el sueño que pasa, volando, por los ojos del niño?

Sí. Dicen que mora en la aldea de las hadas;

que por la sombra de una floresta vagamente alumbrada de luciérnagas,

cuelgan dos tímidos capullos de encanto,

de donde viene el sueño a besar los ojos del niño.

¿Sabe alguien de dónde viene la sonrisa que revuela por los labios del niño dormido?

Sí. Cuentan que, en el ensueño de una mañana de otoño, fresca de rocío,

el pálido rayo primero de la luna nueva, dorando el borde de una nube que se iba,

hizo la sonrisa que vaga en los labios del niño dormido.

¿Sabe alguien en dónde estuvo escondida tanto tiempo la dulce y suave frescura

que florece en las carnecitas del niño? Sí. Cuando la madre era joven,

empapaba su corazón de un tierno y misterioso silencio de amor, la dulce y suave frescura

que ha florecido en las carnecitas del niño.

          Traducción de Alicia Cogolludo.

La versión en inglés del poemario Gitanjali que el propio Tagore realiza y que se publica en 1913 es un éxito sin precedentes y una cierta revolución poética. Tagore quiso ser entendido tanto en Occidente como en Oriente, aspiró a ser un puente entre dos mundos y acabó convirtiéndose en un poeta universal. Este poema nos remite al mundo infantil tan caro a Tagore y al propio Miškinis que tanta música ha escrito para coro de niños.

Miškinis divide el poema en tres partes, de forma que cada estrofa forma una canción en sí misma, aunque aprovecha el recurso poético de Tagore de repetir una pregunta «¿Sabe alguien... ?» para dotar de una cierta unidad al tríptico.

Como vemos, Vytautas Miškinis nos ha querido mostrar parte de su obra, compartir con todos nosotros lo último de su producción y hacer sonar en este salón lo más representativo de los autores corales de hoy y de los que han abierto el camino para ellos. Esperamos que sea una experiencia inolvidable para todos y para él también.

Thyrsus me fecit